Moderní původní malba a grafika v dnešní podobě, jako forma moderního umění, se formovala v 60.-70. v minulém století, kdy jako alternativu k modernismu zavedli francouzští filozofové termín „postmodernismus“. K tomuto stylu se připojilo mnoho evropských umělců.
„Guru postmodernismu“, francouzský sociolog, fotograf a filozof Jean Baudrillard, nazval éru postmodernismu hyperrealitou, čímž zaznamenal ztrátu smyslu pro realitu. Jeho filozofie se stala kořeny hyperrealismu, nového směru v malbě a sochařství, který se objevil v USA koncem 60. let. 20. století a založené na „fotorealizaci objektu“. Hyperrealismus (fotorealismus) je stále jedním z módních trendů výtvarného umění. Jejími významnými představiteli byli J. Bodin, C. Close, R. Mueck, R. Petrov aj. Kopírováním reality vytvářejí hyperrealisté přesvědčivou iluzi, falešnou realitu. Autorská malba a grafika, celý umělecký zážitek hyperrealismu se stal předzvěstí vzniku neomodernismu – stylu nejzřetelněji ztělesněného v architektuře.
Hyperrealismus sám sebe kontrastuje s konceptualismem, dalším mnohostranným a prominentním fenoménem moderního umění poloviny 20. století, v němž je myšlenka prvořadá k technické dokonalosti provedení. Ve své estetice naturalismu a pragmatismu se hyperrealismus blíží pop-artu – modernímu hnutí v malbě, jehož počátky rovněž sahají do poloviny minulého století.
Pop-art jako koncept nového avantgardismu znamenal odmítnutí forem abstrakcionismu, je pro něj charakteristické využívání, interpretace a zpracování obrazů masové kultury, dochází k návratu ke komplexní figurativní kompozici a kresbě. Pop-artoví umělci ukazují mechanický svět prizmatem věcí a prezentují je jako něco krásného. Masový charakter pop-artu je patrný i v každodenní rovině. Ve formě různých plakátů na plátně se pop art často používá jako interiérová malba. Světovou proslulost tomuto směru přinesla díla E. Urhalla, R. Rauschenberga a dalších.
Výrazově blízké pop artu a hyperrealismu je také optické umění (op art), směr v malbě 2. poloviny 20. století. Toto hnutí pokračovalo v racionalistické linii technicismu, jedné z odrůd modernismu. Op art jako umění vizuálních iluzí je založen na zvláštnostech vizuálního vnímání plochých a prostorových postav.
Z jiných oblastí umění 60.–70. lze rozlišit minimalismus. Často je vnímána jako reakce na emocionální pohled umělců abstraktního expresionismu, populárního hnutí v malbě 40. a 50. let. Minimalismus je ve své podstatě abstraktní, objektivní a anonymní, postrádá jakoukoli vnější dekorativnost a výraz gesta. Minimalistická malba a grafika mohou navodit vznešený pocit bytí, jsou však většinou monochromní a často reprodukovány ve formě matematicky pravidelných mřížek a lineárních struktur. Při vytváření geometrických tvarů se minimalistickí sochaři uchylují k použití průmyslových materiálů ve svých dílech – oceli, pěnového plastu, zářivek. To ukazuje integraci malby do různých sfér života, do společnosti a znatelné propojení s jinými druhy umění je charakteristickým rysem vývoje malby 20. století.
Pokud jde o náměty děl, řada z nich v 70. letech. lze vysledovat posílení sociální orientace uměleckého procesu. To je vlastní i sovětské malbě, která se vyznačuje realismem, do značné míry kritickým, s pronikavým smyslem pro realitu, duchovní bohatostí obrazů, smyslným, hmotným tělem světa a často romantickou povzneseností figurativní struktury. Sovětská malba objektivně obohatila moderní umění o nové vidění světa, triumf metody socialistického realismu, linii lyrické ruské krajinomalby a vývoj industriální krajiny s motivy transformované přírody. Zátiší jako žánr dosahuje v sovětské malbě vysoké úrovně.
Na konci minulého století se umělci z různých zemí vyznačovali individualismem, tvůrčími experimenty a touhou dát svým dílům národní charakter.
Pod vlivem různých nových trendů se obohacuje i malba interiérů a se vznikem a rozvojem internetu se malba a grafika učí digitální technologie. Počítač umělci nahradí barvu i plátno. Digitální technologie dávají vzniknout takovým hybridním technikám, jako je fotoimpresionismus.
Na konci 20. století se objevily nové alternativní typy malby, jako je airbrushing. Takové zboží je většinou „kusové“ a zakázkové malby a grafiky jsou zde zcela běžné.
Hlavní směry současného umění ve světě
Montáž (francouzská montáž – připojení, montáž, instalace)
Druh díla moderního umění nebo artefakt, což je trojrozměrná kompozice tvořená libovolnými užitkovými předměty nebo jejich částmi a fragmenty a/nebo speciálně vytvořenými předměty a uzavřená v prostoru krabice nebo krabice.
ABSTRAKTNÍ EXPRESSIONISMUS
Abstraktní expresionismus Poválečná (konec 40. – 50. let 1929. století) etapa vývoje abstraktního umění. . V roce 1947 ji Američan Barr (A.N. Wagg) použil k charakterizaci raných děl Kandinského a v roce 50 nazval díla de Kooninga a Pollocka „abstraktním expresionistou“. Od té doby se koncept A. e. posílil za poměrně široký, stylově i technicky pestrý obor abstraktní malby (a později sochařství), který zaznamenal prudký rozvoj v XNUMX. letech. v USA, v Evropě a pak po celém světě. Přímí předkové A. e. považován za raného Kandinského.
“Akční malba”
V rámci amerického abstraktního umění byla vyvinuta tzv. „beztvará malba“ Jacksona Pollocka, který považoval tvůrčí proces za hodnotný sám o sobě a výsledek nedůležitý, dával smysl jen jako vzpomínka na tvůrčí proces zůstávající. na plátně. Pollock se vrátil k primitivu a proměnil malbu v posvátný tanec umělce. Polok pověsil plátno na zeď nebo ho položil na podlahu a „prováděl“ kolem něj určitý šamanský rituál; umělec podle svých slov „vešel dovnitř obrazu“. Vyvinul techniku zvanou dripping, která spočívala v rozstřikování barev z plechovky (francouzská paralela je „tachisme“ – malba se skvrnami.) Pollockova umělecká metoda byla v Anglii nazývána „akční malba“. V roce 1952 na výstavě v Paříži jeho obraz udělal velký dojem na kritiky toužící po dalším novém slově. Mnozí však zpochybňovali originalitu Polokovy techniky a viděli něco podobného na Hartungových snímcích z roku 1922.
A B S T R A K C I O N I Z M
Abstraktní umění, neobjektivní umění, modernistické hnutí, které zásadně opustilo zobrazování skutečných předmětů v malbě, sochařství a grafice. Abstraktní umění vzniklo v letech 1910-13 při stratifikaci kubismu, expresionismu a futurismu, jeho první ukázky vytvořili V. V. Kandinsky působící v Německu, Francouz R. Delaunay, Španěl F. Picabia, Čech F. Kupka, někteří italští futuristé (W. Boccioni a další), v Rusku – K. S. Malevich, M. F. Larionov a N. S. Goncharova, v Nizozemsku – představitelé neoplasticismu (P. Mondrian, T. van Doesburg aj.). Ukrajinec A. P. Archipenko, Rumun C. Brâncuşi a další, kteří působili v Paříži, se poněkud později obrátili k experimentům v abstraktním sochařství. Po 1. světové válce 1914-18 se trendy v abstraktním umění často projevovaly jak v jednotlivých dílech, tak v architektuře, dekorativním umění a designu.
AVANTGARDNÍ RUSKÁ
Ruská avantgarda 1910. let předkládá poměrně složitý obraz. Vyznačuje se rychlou změnou stylů a trendů, množstvím skupin a sdružení umělců, z nichž každá hlásá svůj vlastní koncept kreativity. Něco podobného se stalo na počátku století v evropském malířství. Směsice stylů, „zmatení“ trendů a směrů však nebyly známy Západu, kde byl pohyb k novým formám konzistentnější. Mnoho mistrů mladší generace přecházelo neobyčejnou rychlostí od stylu ke stylu, od jeviště k jevišti, od impresionismu k modernismu, pak k primitivismu, kubismu či expresionismu, procházeli mnoha etapami, což bylo pro mistry francouzské či německé malby zcela netypické. . Situace, která se vyvinula v ruském malířství, byla z velké části dána předrevoluční atmosférou v zemi. Prohloubilo to mnoho rozporů, které byly vlastní celému evropskému umění, protože Ruští umělci se učili od evropských vzorů a dobře znali různé školy a umělecká hnutí. Svérázný ruský „výbuch“ v uměleckém životě tak sehrál historickou roli. V roce 1913 to bylo ruské umění, které dosáhlo nových hranic a obzorů. Objevil se zcela nový fenomén neobjektivity – hranice, za kterou se francouzští kubisté neodvážili překročit. Jeden po druhém překračují tuto linii: Kandinsky V.V. Larionov M.F. Malevich K.S. Filonov P.N. Tatlin V.E. Otestovali jejich sílu: Altman N.I. Glebová T. Gončarová N.S. Konchalovský P.P. Kuprin A. Lentulov A.V. Maškov I.I. Puni I.A. Rodčenko A.M. Rožanová O.V. Falk R.R. Chagall M.Z. Ekster A.A. Za pár let se v Tatlinově díle spojí technologie a umění, umění a věda. Řekne: Nejestetičtější formy jsou také nejekonomičtější. Práce na designu materiálu v tomto směru je největší umění.“ To bude v roce 1932, kdy se budou formovat nové estetické principy založené na dílech mnoha umělců avantgardního hnutí.
POVÝŠENÍ
Akce (nebo umění akce) Zobecněný koncept k označení dynamických, procedurálních praktik současného umění (umělecké praxe), POST-kultury (viz: POST-), ve které se důraz přenáší z výsledku umělecké činnosti na její proces. . První A. provedli dadaisté (viz: Dada) a surrealisté (viz: Surrealismus) již v letech 1910-1925. a byly zpravidla demonstrativně šokující a dekonstruktivní povahy. Další etapou vědomého přesunu umělcovy (a do jisté míry i divákovy) pozornosti od díla k procesu jeho vzniku byla Action painting, jejímž největším představitelem byl Jackson Pollock. Do popředí zde vystoupil spontánní proces lití či cákání barev na plátno, který byl řízen výhradně hlubokými podvědomými impulsy umělce (viz: Automatismus). Samotný výsledný obrázek byl považován pouze za dokument potvrzující skutečnost komise.
ART DECO
ART DECO (francouzské art deco, zkráceně art „decoratif) je stylové hnutí v umění západních zemí. Evropa a Amerika 2. čtvrtletí. 20. století Své jméno získala podle Mezinárodní výstavy dekorativního umění a průmyslu (Paříž, 1925), která byla výchozím bodem jejího šíření a rozvoje. AD se vyznačuje kombinací monumentálních, vážených forem se sofistikovanou výzdobou. Centry AD byly Francie a USA. AD spojovala prvky secesního stylu. kubismus a expresionismus, využíval výrazových rysů vyspělého technického designu (především materiálů a stylistiky módních „efektivních forem“, převzatých z nejnovějších modelů automobilů a lokomotiv). Jeho vývoj výrazně ovlivnily nové objevy velkolepých památek staroegyptského umění (včetně hrobky Tutanchamona, 1922) a starověkých civilizací Ameriky, stejně jako styl inovativní scénografie 1910-1920. Nejplněji se AD projevil v návrzích a výzdobě interiérů módních hotelů, klubů, salonů, zaoceánských lodí a reprezentativních budov velkých podniků, které zahrnovaly různé druhy sochařských, malířských a všemožných dokončovacích prací. Umělecká díla byla zastoupena i užitými výrobky módních domů, reklamou, průmyslovou a časopiseckou grafikou aj. Největšími díly jsou Chrysler Building (New York, 1928-1930, architekt Van Helen) a Rockefeller Center (New York) York, 1931 -1940, architekt B. W. Morris).
A R T E P O V É R A
Arte povera (italsky arte povera – chudé umění) Směr, který se oficiálně zformoval v italském umění (v Turíně) koncem 60. let – brzy. 70. léta a značně se rozšířila i v dalších evropských zemích, i když artefakty duchem podobné AP se v evropském umění objevovaly již dříve (díla např. německé umělkyně Evy Hesse nebo Řeka Vlasia Kapiarise aj.) Vychází ze lží v vytváření objektů a instalací z jednoduchých předmětů každodenního života, sesbíraných na skládkách odpadků a patřících zpravidla do každodenního života chudých – tašky, provazy, staré obnošené oblečení a boty, základní domácí potřeby, zemina, písek, uhlí, staré hadry, kůže, guma atd. Umění vzniklo jako určitá reakce na vzrůstající intelektualismus a racionalismus minimalismu a konceptualismu a na používání drahých materiálů a technologií pro výrobu předmětů a prvků v uměleckých postupech a projektech, které se stávaly v té době módní instalace. Italští umělci Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Mario Ceroli, Giulio Paolini, Yannis Kounellis (Řek žijící v Itálii), vytvářející své instalace, se snažili odhalit zvláštní skromnou poetiku jednoduchých věcí. Například mnoho děl J. Kounellise, v nichž umělecký prostor vzniká kombinací předmětů sesbíraných ze skládky, pytlů uhlí, sádry antických soch a ohně plynových hořáků; nebo objekt Luciana Febriho s názvem „Přines mi hlavu Jana Křtitele na podnose“ a představující velkou skleněnou mísu na bílém ubrusu, naplněnou skleněnými střepy. Tato symbolika má však velké volné asociační pole a nepředstírá jednoznačný výklad. Pro umělce AP je důležité vytvořit určitou zvláštní atmosféru prostřednictvím nevtíravé kombinace banálních věcí lidské existence.
B O D I A R T
Body art (body art – anglicky: body art) Umělecký směr, který využívá tělo, tělesnost, pózu, gesto – neverbální řeč těla – jako „surovou realitu“. Objekt B.-a. slouží jak tělu modelu, tak jeho fotografiím a figurínám. Kompozice vznikají podle principu živých obrazů. Filosofická a estetická specifičnost je spojena se zvýšeným zájmem o hraniční existenciální situace: život – smrt, Eros – Thanatos, vědomí – nevědomí, umění – neumění. Další dominantou je sociální, rasová, národnostní, sexuální sebeidentifikace, freudovská symbolika, sadomasochistické motivy.
Body art je umění těla (body penning – malování na tělo, tetování – tetování pod kůži, piercing – „propíchnutí dírek“, skarifikace – zjizvení, branding – vypálení značky), vzniklo avantgardní hnutí v 60. letech.
VIDEO ART VIDEO ART
VIDEOART (angl. video art), směr výtvarného umění poslední třetiny 20. století, využívající možnosti videotechniky. Na rozdíl od televize samotné, která je určena k vysílání masovému publiku, videoart využívá televizní přijímače, videokamery a monitory při jedinečných happeningech a produkuje také experimentální filmy v duchu konceptuálního umění, které jsou promítány ve speciálních výstavních prostorách. S pomocí moderní elektroniky ukazuje jakoby „mozek v akci“, jasnou cestu od uměleckého nápadu k jeho realizaci. Hlavním zakladatelem videoartu je korejský Američan Nam Jung Paik. Umění využívající televizní technologie – videoart – vzešlo právě z protestu proti dominanci masové kultury, za jejíž nejvyšší ztělesnění je považováno televizní vysílání. „Otcové“ videoartu, Nam Jung Paik a Wolf Vostel, se každý svým způsobem vysmívali ctihodným občanům, kteří každý večer sedávali k odpočinku u televize. Wolf Vostel v 60. letech pořádal happeningy, při kterých se do televizí sypaly šlehačky, svazovaly ostnatým drátem, slavnostně pohřbívaly a dokonce střílely ze samopalů. Nam Jun Paik, vystudovaný hudebník, působil nenápadněji. Počínaje experimenty v „hudební vizualizaci“ přešel k vytváření podobizen živých bytostí s hlavami, pažemi a trupem z monitorů různých velikostí a odpovídajících obrázků a nazýval je „máma“, „táta“, „dítě“, „teta, “Strýčku.” a tak dále.
V O R T I C I Z M
Vorticismus je hnutí anglické avantgardy založené Wyndhamem Lewisem v roce 1914. Název Vorticism vděčí za svůj původ poznámce italského futuristy Umberta Boccioniho, že jakákoli kreativita se rodí z víru pocitů (v italštině – vortizto). Podobně jako futurismus se i vorticismus, ostrý, hranatý a velmi dynamický styl, který se rozšířil v malířství i sochařství, snažil zprostředkovat proces pohybu. Přestože vorticismus nepřežil ani do konce první světové války, sehrál důležitou roli jako etapa v procesu formování abstraktního umění v Anglii. (Bomberg, Lewis)
G R A F I T I
Tak se označují díla subkultury (viz: Masová kultura), což jsou především velkoformátové obrazy na stěnách veřejných budov, konstrukcí, vozidel, zhotovené pomocí různých druhů stříkacích pistolí a aerosolových nádobek s barvami. Odtud další název pro „spray art“ – Spray-art. Jeho vznik je spojen s masivním výskytem G. v 70. letech. ve vozech newyorského metra a pak na zdech veřejných budov a okenicích obchodů. Prvními autory G. byli především mladí nezaměstnaní umělci etnických menšin, především Portorikánci, proto se v první G. objevily některé stylové rysy latinskoamerického lidového umění a už samotným jejich výskytem na plochách k tomu určených, jejich autoři protestovali proti jejich zbavenému postavení . Do začátku 80. let. vznikl celý trend téměř profesionálních mistrů G. Jejich skutečná jména, dříve skrytá pod pseudonymy, vešla ve známost (CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Někteří z nich přenesli svou techniku na plátno a začali vystavovat v newyorských galeriích a brzy se obrazy objevily i v Evropě. Vícekilometrovou výstavní síň G. reprezentovala Berlínská zeď ze Západního Berlína. Po jejím zničení jsou dnes dochované zbytky zdi natřeny z obou stran. G. jsou dějové, často plakátové, karikované nebo naivní (viz: Naivní umění) obrázky a nápisy, které mají specifický styl určený technikou (aerosolovým sprejem) obrazu: spontánnost, rychlost, nemožnost korekcí, určitý barevný systém.
Moderní umění v malbě odkazuje na umění vytvořené mezi koncem 19. a polovinou 20. století. Termín „moderní“ byl použit k popisu této nové umělecké formy, která se odklonila od tradičních technik a stylů. Účelem moderního umění bylo zpochybnit přijaté normy a přijmout nové myšlenky a způsoby tvorby. Tento článek bude zkoumat různé styly a směry, které spadají pod koncept moderního umění v malbě.
Vznik moderního umění v malbě
Konec 19. a začátek 20. století byl dobou velkých změn a revolucí. Průmyslová revoluce s sebou přinesla nové technologie, nové materiály a nové způsoby myšlení. To se promítlo do tehdejšího umění, které se vyznačovalo experimentováním a ničením tradičních bariér. Moderní umění v malbě vzniklo jako reakce na tento měnící se svět a bylo reakcí na omezení minulosti.
Michail Vrubel: „Lekníny“
Ferdinand Hodler. “Pocit”
Styly a trendy současného umění v malbě
Bylo mnoho stylů a hnutí, které se objevily jako součást moderního uměleckého hnutí v malbě. Mezi ty nejpozoruhodnější patří:
Impresionismus: Tento styl malby se vyznačuje použitím světla a barev k vyjádření dojmu okamžiku. Tahy štětcem jsou volné a plynulé a zaměřujeme se na zachycení prchavých vjemů světa kolem nás.
Expresionismus: Expresionismus bylo umělecké hnutí, které se soustředilo na emocionální a psychologický stav umělce. Vytvořené umění bylo často intenzivní, syrové a expresivní a cílem bylo zprostředkovat umělcovy nejniternější pocity.
Fauvismus: Fauvismus bylo krátkodobé hnutí, které se vyznačovalo používáním jasných, výrazných a nepřirozených barev. Cílem bylo zprostředkovat energii a vitalitu světa a tah štětcem byl volný a impulzivní.
Kubismus: Kubismus byl styl malby, který rozbil předmět do jeho základních forem a poté jej znovu sestavil do nové abstraktní kompozice. Cílem bylo ukázat předmět z několika perspektiv najednou, přičemž hlavní důraz byl kladen na tvar a geometrii.
Futurismus: Futurismus bylo umělecké hnutí, které se zaměřovalo na budoucnost a potenciál technologie. Vytvořené umění bylo často futuristické a abstraktní a cílem bylo zprostředkovat rychlost a energii moderního světa.
Retrofuturismus od Roberta McGinnise „Barbarella“
“Konvergence” Jackson Pollock 1952
Vývoj moderního umění v malbě
Moderní umění v malbě se v průběhu desetiletí neustále vyvíjí a mění. Jak se objevovaly nové styly a hnutí, hranice toho, co bylo považováno za „moderní umění“, se nadále rozšiřovaly. Některé z nejpozoruhodnějších úspěchů moderního umění v malbě zahrnují:
Abstraktní expresionismus: Toto bylo hnutí, které se objevilo ve 1940. a 1950. letech XNUMX. století a vyznačovalo se používáním velkých, gestických tahů štětcem a zkoumáním barev a forem.
Pop Art: Pop art se objevil v 1950. letech XNUMX. století a zaměřil se na komerční a populární kulturu té doby. Cílem bylo přinést každodenní předměty a obrazy do uměleckého světa a styl byl často hravý a barevný.
Minimalismus: Minimalismus byl hnutí, které se objevilo v 1960. letech a bylo charakteristické používáním jednoduchých geometrických tvarů a omezené palety barev. Cílem bylo vytvořit umění zbavené toho nejpodstatnějšího a bez rušivých vlivů.
Často kladené otázky o současném umění v malbě
1. Jak se liší moderní umění v malbě od umění tradičního?
Současné umění v malbě se od tradičního umění liší tím, že se snaží zničit hranice mezi uměním a realitou. To často zahrnuje experimentování s novými materiály, technikami a nápady a cílem je zpochybnit konvence minulosti.
2. Proč bylo moderní umění důležité v malbě?
Moderní umění v malbě bylo důležité, protože znamenalo odklon od tradičních uměleckých norem a připravilo cestu pro nové formy tvůrčího vyjádření. To umělce přimělo přemýšlet mimo rámec a používat nové nápady, které inspirovaly nové generace umělců.
